La banda chilena AMONIACO lanzó en Marzo de este año (2019) AZUL PRUSIA, EP compuesto por tres canciones y que sería su segunda producción a la fecha de la agrupación santiaguina.
La agrupación chilena de Pop Rock MERIDIANOS formada en Noviembre del 2017 en la ciudad de Santiago, lanzán en Abril (2019) su primera producción, el EP NO SABES A QUIEN LLORAR.
Banda solista chilena de Rock formada el año 2019 en Villa Punta Delgada, Comuna de San Gregorio, Región de Magallanes. En el mismo año lanzan su producción debut el EP UNO MAS.
Banda chilena de Rock Alternativo formada el 2016 en la ciudad de Santiago. En Mayo del 2019 lanzan su primera producción el EP ONCE UPON A TIME IN THE HOUSE OF FLIES.
La increíblemente resistente banda de Rock de los 70, Estados Unidos, The Gringos, no presenta su lyric video «Walking In The Woods», lanzado el 13 de septiembre del 2024.
«Walking In The Woods», marca un cambio significativo en su estilo musical reciente, mostrando la versatilidad y evolución creativa de la banda. Escrita por Joseph C. Vaughn, la canción invita a los oyentes a sumergirse en un sereno viaje por el bosque, capturando las emociones de un tranquilo paseo por la naturaleza.
«Walking In The Woods» cuenta con un arreglo colaborativo con importantes contribuciones de su viejo amigo A. J. Siniaho, junto a los miembros de la banda Alan Harkrader y Jim Miller. A. J. también brilla en este tema con un impresionante solo de Flugelhorn y una cautivadora interpretación de los teclados. A la riqueza de los arreglos se suma Felix B. Sainz Jr. al bajo, otro viejo conocido de la música.
La reconocida banda ibicenca, España, Joven Dolores anuncia con entusiasmo el lanzamiento de su cuarto álbum de estudio titulado “Amor y Resiliencia”, disponible en todas las plataformas digitales desde el 14 de marzo del 2025. Este nuevo trabajo marca un retorno a sus raíces rockeras, combinando la energía y autenticidad que caracterizan al grupo.
El nuevo álbum de Joven Dolores es una explosión de energía y sentimiento, un disco que combina la intensidad del rock con estribillos inolvidables que se quedarán grabados en tu mente. Cada canción es un himno en sí mismo, con letras que hablan de la lucha, el amor, la libertad y la pasión por la música.
Desde los riffs poderosos de la canción de apertura hasta las melodías épicas que cierran el álbum. “Amor y Resiliencia" es un viaje que evoca la esencia del rock clásico con una producción moderna y contundente. Las guitarras rugen, la batería marca el pulso con fuerza y la voz transmite emoción en cada verso, elevándose en estribillos que invitan a cantar a todo pulmón.
VIDEO LYRIC “VIVO EN LAS NUBES"
Con un sonido que bebe de influencias del rock alternativo, el hard rock y el indie, este disco está hecho para quienes buscan canciones que les hagan vibrar, tanto en un concierto en directo como en los momentos más personales. “Amor y Resiliencia" no es solo un álbum: es una declaración de principios, un grito de libertad y una banda sonora para quienes no temen alzar la voz.
Joven Dolores es una banda formada por David Serra (voz) y Joan Barbé(guitarra) junto a Frederic Torres (bajo) y Joan Carles Marí (batería).
Algunas de las fechas donde presentarán este nuevo álbum:
2 de mayo 2025 - León - Sala El Gran Café 22 de mayo 2025 - Barcelona - Sala Wolf 7 de junio 2025 - Málaga - Sala Marte 14 de junio 2025 - Murcia - Sala La Yesería
Cleaver y Undergarden, dos de las bandas más icónicas del grunge y el rock chileno, se unen por primera vez en un mismo escenario para ofrecer un show cargado de energía y distorsión.
Cleaver llega celebrando el lanzamiento de su cuarto álbum, Variety Show, un trabajo potente y original que ya ha dejado marca con sencillos como Do It Again y Mirrors. Este show en La Serena es parte de su gira nacional, que ya tuvo un exitoso paso por Talca, y marca el inicio de una nueva etapa con miras a la proyección internacional.
Undergarden, pioneros del grunge en Chile, vuelve al escenario con su sonido crudo y lleno de actitud. Esta será su última presentación antes de entrar en receso, por lo que la cita se vuelve aún más especial.
Prepárate para una noche inolvidable junto a dos referentes del grunge chileno.
No te quedes fuera de este encuentro único. ¡Nos vemos en La Serena!
La cantante radicada en Canadá Riiver Brukes explora la fachada de la fama con su single y videoclip «She's An Illusion», lanzado el 4 de octubre del 2024.
"She's An Illusion" es una canción sobre los famosos. Trata de cómo admiramos a la gente famosa y extremadamente rica. Tal vez asumimos que porque tienen éxito en su campo, sus vidas son perfectas. Que son personas felices y afortunadas a las que hay que emular e incluso idolatrar hasta cierto punto.
Aunque la felicidad puede ser el caso para algunos, no lo es para muchos que viven sus vidas en una jaula dorada, prisioneros de su fama. Sus vidas están microgestionadas al detalle por quienes les rodean y les ven como una mercancía: Una empresa y un medio para ganar dinero constantemente. Como tales, sus vidas a menudo no son realmente suyas y lo que nosotros, el público en general, vemos quizá no sea lo mismo que lo que ocurre entre bastidores.
She's An Illusion» nos recuerda que la fama no es necesariamente el camino hacia la felicidad. Y aunque deberíamos reconocer y apreciar el incuestionable talento que demuestran muchas celebridades, al fin y al cabo, la celebridad en sí misma es una fachada que a menudo puede esconder mucho descontento.
Meridianos es una banda chilena que lanzó el 11 de octubre del 2024 su disco "Terminal", un energético álbum que registra el concierto realizado en la sala SCD de Plaza Egaña, Santiago.
Este álbum captura la esencia y la pasión de sus integrantes en una noche inolvidable, ofreciendo a los oyentes un repaso por su trayectoria con 3 producciones de estudio.
El arte del disco fue diseñado por el ilustrador chileno Jorge Barahona, conocido como @carnavalito81, especializado en este tipo de diseños y colaboraciones con bandas y músicos.
"Caminhada" es el octavo lanzamiento que compone el álbum debut de la banda brasileña de rock alternativo Lado Treze titulado "Ideologia em tempos loucos" (2025).
Lado Treze trae un sonido más pesado, mostrando variedad en las composiciones que transitan por todos los estilos que son referencias para la banda, transmitiendo un mensaje de fe. Continuando con la misión de representar el sueño de una generación con mucha verdad, humildad y personalidad.
A Caminhada viene con un mensaje de fe sobre representar el sueño de una generación con gran humildad, personalidad y verdad, enfrentando los retos con mucha determinación, pues cada batalla vivida es una nueva oportunidad de aprendizaje para mantener viva la llama y continuar en la misión.
Meeting of Styles Andalucía proyecta el elogiado documental “Eterna” (2023), sobre la vida y obra de la artista cordobesa Gata Cattana, fallecida con tan solo 26 años pero que dejó un gran legado.
GATA CATTANA en muy poco tiempo pasó de ser una joven desconocida a tener un peso muy relevante en la escena cultural underground. Su compromiso con el feminismo, la cultura andaluza o su capacidad para introducir a nuevas generaciones en raíces mas clásicas mediante la música o la poesía, le hicieron ser una figura importante en una escena carente de ciertos discursos que ella supo llenar, y con los que estaba empezando a brillar más allá de nuestras fronteras. Tras su fallecimiento se ha convertido en un símbolo para toda una generación.
ETERNA no es solo un documental sobre una de las nuevas voces mas relevantes del rap de habla hispana en los últimos años, es también una reflexión sobre la memoria, el tiempo, el arte y la huella que dejamos en el mundo.
Juanma Sayalonga se adentra en 2018 en este homenaje personal a la artista cordobesa. Tras documentar varios homenajes que surgieron tras su fallecimiento, se plantea la realización de esta película. Después de finalizar con éxito una campaña en Verkami y la cobertura en medios como Radio3, RNE, o RTVA entre otros, fue posible arrancar el proyecto y empezar una profunda labor de investigación y búsqueda de imágenes de archivo, tanto fotográficas como videográficas, para ilustrar la vida de Gata Cattana. Guión y dirección de Juanma Sayalonga y David Sainz, es una producción de Diffferent Entertainment, VivaTodo Films y Cinnamon Factory.
ETERNA - TRÁILER OFICIAL
Queríamos rodar una película que mostrase una imagen completa de la artista, de lo visible y conocido y también de su vida personal, Ana Isabel García Llorente (Gata Cattana) nos dejó muy joven a sus 26 años, pero pudo desarrollar una obra extensa en lo musical y lo literario, queremos hablar de esa huella que ha dejado, no solo a nivel artístico sino también humano, y para ello usamos su propia voz en el presente junto a las intervenciones de quienes conocen y admiran a la artista cordobesa, que de una u otra forma, nos cuentan su visión particular.
Hemos rodado en lugares donde la artista ha vivido o ha mencionado en sus escritos, nuestra intención es tenerla presente durante todo el metraje.
ETERNA no es un biopic en sentido estricto, queremos reflexionar sobre la memoria, el tiempo, el arte y la semilla que dejamos en el mundo. Es de interés destacar que muchas imágenes son inéditas hasta ahora y será de valioso interés ponerlas a disposición de la obra. Imágenes de archivos audiovisuales de diversas fuentes (videos personales, familiares, RTVE, La Sexta...) así como fotografías personales de la artista y personajes que compartieron impor- tantes momentos de su vida con ella.
Los distintos sets de rodaje tienen lugar en las ciudades de Córdoba, Granada, Sevilla, Madrid, Barcelona y New York, donde contamos con personalidades que giran entorno a su figura y en lugares importantes en la vida de Gata Cattana, donde ella misma vivió o reflejó en sus escritos.
El músico español Dani Llamas se atreve con la bulería por soleá en "El color de los días" y con la mejor compañía posible, la de Rocío Márquez. Canción que puedes encontrar en su álbum "Sangre", editado de la mano de Wild Punk Records y donde sigue explorando con arrojo el folclore de su tierra, tras los aplaudidos "La verdad" y "A fuego".
"El color de los días" viene acompañada además por un exquisito videoclip dirigido por Silvia Moreno, realizadora del laureado documental "Callejeras", e interpretado por el actor Bruto Pomeroy, al que hemos podido ver y disfrutar en películas como "El milagro de P. Tinto", "El e la bestia" o las recientes "Héroes de barrio" y “El Hombre del saco”.
"Escribí esta canción basándome en un palo flamenco muy propio de mi tierra: Jerez, la bulería por soleá", así de conciso nos describe Dani Llamas el germen de "El color de los días", la canción que abre el camino hacia "Sangre", que indaga en la tradición y el folclore, añadiendo sin complejos ese rock descarnado que había caracterizado su trayectoria.
A Dani Llamas esta canción no solo le ha servido para continuar ampliado su campo de investigación musical, sino también como terapia: "La letra es profunda, y hasta cierto punto, es auto terapéutica"
"Necesitaba que se abriera en los estribillos, algo fuera del flamenco y que consiguiera ser atemporal”. Para lograr esos propósitos, no ha dudado en rodearse de la mejor compañía posible, otra artista que sabe (y mucho) de moverse fuera de su zona de confort, salirse del ámbito del flamenco y conseguir algo atemporal: Rocío Márquez. "Vino al estudio y juntó su voz con la mía para darle a los estribillos una intensidad aún mayor. Recuerdo sus palabras cuando se la puse: 'Ufff amigo, qué intensidad'", rememora Dani Llamas con la ilusión de aquel que se sabe arropado por una compañera de altura.
No son los únicos que le han rodeado para dar lo mejor de sí mismo. Ahí están Rafa Camisón a la batería y percusión, Marco Serrato al bajo, Koe Casas al órgano y piano, Manuel Mateos a la guitarra eléctrica y Paco Loco a la guitarra y sintetizadores. Menudo dream team.
Nada extraño pues el resultado. Una canción para enmarcar. Y que nos evoca a toda esa corte de compositores ilustres tan añorados. Así lo reconoce su propio autor: "El estribillo nos engancha con la tradición de los grandes hacedores de canciones de antaño, a mí me recuerda a Manuel Alejandro. Es una canción ultra concentrada, en ella puedo exprimirme en menos de tres minutos y medio. Es una de mis canciones preferidas del nuevo disco”.
Un autor de canciones, que no tiene complejos a la hora de vestir sus composiciones y arreglarlas de forma diferente con elementos de distintos estilos guardando siempre un sello personal e independiente que lo sitúan dicho por medios especializados, en uno de los autores españoles más respetados de su generación hoy en día.
Ha colaborado con algunos de los nombres más destacados de la industria de su país y incluso internacional (Nada Surf, Los Secrestos,, Second) creando sinergias que han dado lugar a temas memorables y conciertos inolvidables por toda la geografía española.
Su último disco, Cuarto de invitados, fue la catapulta para dar su primera gira en México. La versatilidad en sus propuestas de directo hacen que pueda estar siempre en carretera adaptamdo su show a todo tipo de presupuestos, pudiendo salir de gira el solo, a dúo a trío o a banda completa, disponiendo ademñas de furgoneta propia A lo largo de 10 años de carrera en solitario y otros 15 en bandas como Martynez o Gardening, el público cosechado permanece constante, pudiendo situarse en su mayoría en personas entre 35 y 50 años, con perfil intelectual inquieto amante de la lectura y de los conciertos de corte “ad hoc” del porpio artista.
Con tres discos a su haber y un cuarto recién producido por el guitarrista de Vetusta Morla, Juanma Latorre, a punto de ver la luz, su trayectoria está marcada por una evolución constante y una pasión inquebrantable por cada detalle de la profesión.
La dinámica banda francesa de rock moderno Hearscape presenta la canión, «Run», que puedes encontrar en su álbum «Transient», que salió a la venta el 5 de mayo de 2023 a través de Epictronic.
«Run» es un tema estimulante que lleva al oyente a un viaje de autodescubrimiento y al poder de la perseverancia. Con una voz altísima, guitarras melódicas, teclados cautivadores, bajos potentes y una batería dinámica, la banda muestra su sonido único que recuerda a Muse y Radiohead, pero con su propio toque inclasificable que sólo Hearscape puede aportar.
Hearscape fue creado en Lyon, Francia, por un grupo de cinco músicos con talento que comparten su pasión por la creación musical. Su sonido, influenciado por el grupo británico Archive, es una fusión única de rock, pop y rock progresivo, realzada por un teclado de inspiración electrónica.
Sus canciones se construyen a base de arpegios, ostinati en el piano, una conmovedora guitarra solista y una omnipresente batería, creando una atmósfera dinámica y flotante que complementa a la perfección sus misteriosos y metafóricos textos en inglés.
“Las vidas que olvidé” es un videoclip del músico español Arco, lanzado el 29 de septiembre del 2023.
Arco fusiona magistralmente el rock urbano de acento flamenco que tanto le caracteriza con su inconfundible forma de contar historias y transmitir emociones, dando lugar a un tema repleto de raíz y a la par, contemporáneo; y tal y como acostumbra, también refinadamente poético.
La producción ha corrido a cargo de Carlos Díaz (Los Planetas, Colectivo Da Silva, Dellafuente…) y su cinematográfico vídeo ha sido dirigido y rodado por Luis Calderón de “La Barbería”, con el protagonismo de los prometedores actores Lenira Santos y Tomás Cruz.
La banda española de electro rock D'Baldomeros presenta el videoclip "Crónicas de casi perfectos", lanzado el 9 de noviembre del 2024, canción que nos habla de como la perfección se convierte en imperfección cuando te falta el aire, estando al lado de la persona a la que amas y necesitas escapar. Silencios, confusión, perdón y adioses para no caer en la monotonía.
Siguiendo en la clara línea que la banda tiene ya trazada, con idéntica actitud, honestidad y autenticidad, y sin dejar de lado sus afiladas a la vez que armónicas guitarras, sus enérgicas bases rítmicas, y, por supuesto, sus ya inseparables y características bases electrónicas, la banda ha realizado la grabación de este último tema en "La Madre Estudio", bajo la atenta mirada de su alma mater, David "Indio" Sutil, el cual se ha encargado de la producción y mezcla.
Y también han contado en esta ocasión con la creatividad del director Nico Allen en la elaboración de su nuevo vídeo de presentación, un vídeo que no dejará a nadie indiferente y que ha reflejado la visión del director de esta "Crónicas de casi perfectos"
D’Baldomeros sigue apostando por la fusión electro-rock con notas de funk y disco, dando como resultado un directo con un alto contenido energético y muy bailable. La formación está integrada por Eduardo Garcia (voz, guitarra y programación), Paco Romero (batería), Rafa Martin (bajo, coros) y Peter Velardo (voz, guitarra)
A lo largo de su trayectoria, D’Baldomeros ha participado en festivales como Granada Calling, Bull Music Festival, Peligros Sound, Fich, Granada Sound, Maratius Festival, Noches Espaciales, Al oído Festival, En Órbita, etc… situándose en el panorama musical de las bandas andaluzas emergentes.
El proyecto francés de art-rock/rock progresivo Far From Your Sun, lanzó el 30 de agosto del 2022, publicaron el lyric video que ilustra la canción «Where Planets Die», tema que puedes encontrar en su álbum "The Origin of Suffering".
Como recordatorio, «The Origin Of Suffering» sigue disponible en Bandcamp y en los principales servicios de streaming.
Mira el vídeo oficial de «Where Planets Die»
...Para que conste...
«Far From Your Sun» es un proyecto que pretende mostrar composiciones actuales de música rock reuniendo el trabajo de talentosos artistas procedentes de diversos ámbitos como la fotografía, la pintura, la escritura...
«The Origin of Suffering», es un álbum de Far From Your Sun, te llevará desde las orillas del Nilo en el Antiguo Egipto hasta el corazón del siglo XIX y los poemas de Emily Dickinson y Oscar Wilde, desde la venida de Jesús a la tierra hasta los signos del fin del mundo. Prepárese para un viaje histórico, espiritual, emocional y artístico.
El cuarteto francés de rock alternativo Darwells presenta el videoclip «Love Ya», lanzado el 9 de junio del 2023, y que puedes encontrar en su EP Life.
Ciudad Plutón es el proyecto solista del músico colombiano Santiago Martínez Satizábal. El 23 de agosto del 2024 lanzó su EP debut 'Centenario Boy', con un estilo ochentero con sintetizadores y pads.
El nombre del proyecto nació en un sueño que Santiago tuvo hace más de 10 años en donde había un personaje en un mundo distópico tratando de encontrar un tesoro… Ese mundo en el sueño se llamaba Ciudad Plutón, una dicotomía entre lo terrenal/urbano y lo astrológico. Entre 2013 y 2014, en su estancia en Oxford, UK; decidió componer canciones bajo este nombre y en Bogotá, en su época universitaria (2014-2022), comenzó a darle forma.
"Ciudad Plutón es un proyecto ecléctico y para mi primer EP incluye un estilo ochentero con sintetizadores y pads. Siempre trato de ser lo más personal posible en mis composiciones y he tenido muchas experiencias a lo largo de mi vida que quiero compartir a través de mis letras y música, y que la gente se sienta identificada a su manera", comenta el artista con influencias de Charly García, The War on Drugs y Radiohead.
'Centenario Boy' es lo nuevo de Ciudad Plutón, es un autorretrato de cuando Santiago vivía en el barrio Centenario en Cali. Es una oda a la soledad y atender los susurros de la ciudad.
Escucha ‘Centenario Boy’ en Spotify
"Siempre he sentido que este barrio es el corazón de Cali puesto que está muy bien conectado. Cuando estaba viviendo allí durante 8 meses entre 2023 y 2024 tuve muchas experiencias catárticas en mi casa y en los alrededores", agrega.
La canción utiliza en su mayoría pads y sintetizadores. La presencia de la guitarra no aparece sino hasta el solo. En cuanto al estilo, tiene influencias de bandas como Gardens & Villa, The 1975 y Foster the People.
"Algo que me gusta en mis canciones es utilizar elementos sorpresas, en este caso el solo de guitarra interpretado por Nicolas Cobo", menciona.
El video de 'Centenario Boy' fue realizado en Side, Turquía durante su residencia en este país. El concepto y la historia del clip se argumenta en las imágenes y paisajes que generaban los atardeceres independientemente que el sencillo no esté contextualizado allá.
Según Santiago, "una de mis mayores pretensiones con mi música es lograr que la gente pueda corear y aprenderse las letras de mis canciones, que las sientan tan propias como yo al componerlas".
'Centenario Boy' es el segundo sencillo del primer EP de Ciudad Plutón titulado 'Valle Futura' el cual incluye 5 tracks. El concepto general del EP está dirigido hacia los sonidos más city pop y retro, con mucha reverberación en la voz, guitarras sobrias y muchos pads y sintetizadores con una base rítmica un poco bailable.
El diseño de la portada lo hizo Juan Sebastián González 'Gonza' (Tropicana Club), quien es la mano derecha en este proyecto y ha sabido plasmar a la perfección la línea de diseño y concepto que Ciudad Plutón quiere mostrar en el EP. La imagen es una fotografía de una cámara desechable que Santiago sacó en 2024 en el edificio al frente de donde vivía, que curiosamente también tuvo la oportunidad de vivir ahí mismo entre 2019 y 2020.
Durante el primer semestre de 2025, Ciudad Plutón lanzará dos remixes más de 'Centenario Boy' (Sebtro y Tropicana Club) a parte del que ya lanzó junto a Raiyei. Además,publicará 'Megalómanos' que es el tercer sencillo del EP 'Valle futura' que se publicará a través del sello Bal Vienna Records y, finalmente, presentará 3 remixes más de dicho sencillo (artistas por definir), otro sencillo con una colaboración de lujo y finalmente el EP en su totalidad.
"Mis expectativas para esta etapa del proyecto se basan en tener un buen lugar dentro de la industria musical principalmente de habla hispana y poder lanzar mucha música en el futuro y poder tocarla en varios festivales de LATAM", concluye Ciudad Plutón.
El artista colombo estadounidense Falquez y el músico y compositor cubano Pavel Urkiza comienzan el año con el lanzamiento de 'Río Arriba', lanzado el 31 de enero del 2025, un proyecto que une sus estilos y visiones artísticas.
Es una canción ideal para momentos de introspección, es perfecta para reflexionar, encontrar claridad y reconectar con el propósito personal.
'Río Arriba' es una oda al espíritu resiliente que navega contracorriente. Explora la búsqueda de identidad y propósito en un mundo lleno de desafíos. Temáticamente, aborda la soledad, el rechazo y la transformación personal, encapsulando un viaje hacia la autoaceptación y la libertad.
'Río Arriba' fusiona elementos de música andina, rock alternativo y folk contemporáneo. Con guitarras acústicas y eléctricas, percusiones profundas, y un timple que evoca raíces ancestrales, la canción ofrece una atmósfera envolvente que conecta lo introspectivo con lo universal.
"Queremos conectar emocionalmente con la audiencia y posicionar la canción en mercados clave de Latinoamérica, Europa y Estados Unidos. También buscamos establecer una base sólida de oyentes y presentar un repertorio colaborativo que refleje nuestra versatilidad musical", cuentan.
El video de 'Río Arriba' se desarrolló utilizando imágenes generadas con inteligencia artificial, una decisión artística que realza la temática de la canción. Las imperfecciones propias de esta tecnología se convierten en una metáfora visual de las emociones humanas y de la vulnerabilidad que aborda la letra. A través de esta estética, el video refleja la fragilidad de la condición humana, mostrando el contraste entre la búsqueda de perfección y la autenticidad emocional.
La canción es el resultado de un esfuerzo colectivo que combina distintos talentos y sensibilidades musicales, grabada en múltiples locaciones. Pavel Urkiza lidera la producción y los arreglos, además de contribuir con su voz, guitarra española, timple, teclados y programación, fusionando influencias afrocaribeñas y mediterráneas. Daniel Falquez aporta su voz, guitarras acústicas y eléctricas, y coros, añadiendo una sensibilidad melancólica y alternativa al tema. Ambos grabaron sus partes en el estudio personal de Pavel en Miami. La batería, a cargo de Jorge 'Gio' Montañez, fue grabada por Paolo Angulo en The Heat Studio en Pembroke Pines, mientras que el bajo, interpretado por Arián Suárez, así como la mezcla y masterización, fueron realizados por Javier Monteverde en Cezanne Producciones en Madrid, España. Estos aportes se integraron para crear un tema con dinamismo, profundidad melódica y un sonido cálido y cohesivo.
"La canción busca resonar con una audiencia global que se identifique con sus temas de resiliencia y transformación. Esperamos posicionarla en playlists, medios que se afinen con la temática y conectar emocionalmente con oyentes de diversas culturas", agregan Falquez y Pavel Urkiza.
El arte de la portada está inspirado en el video y captura la esencia del personaje en un momento de soledad introspectiva. Con un enfoque minimalista, la imagen transmite la lucha interna y la conexión con la naturaleza, simbolizando el viaje emocional de la protagonista. La combinación de texturas y colores refuerza la sensación de aislamiento, mientras sugiere esperanza en medio del desafío.
Durante el primer semestre de 2025, tanto Falquez como Pavel Urkiza tienen planeados nuevos lanzamientos musicales dentro de sus respectivos proyectos. Además, ambos continuarán realizando presentaciones en vivo, tanto como solistas como en proyectos grupales. Pavel retomará escenarios con el icónico dúo Gema y Pavel, mientras que Falquez seguirá activo con su banda Ramshackles, consolidando su propuesta alternativa. Estas actividades reflejan su compromiso con la música y su versatilidad artística, ofreciendo a sus seguidores.
'Café sin azúcar' es un videoclip lanzado el 4 de enero del 2025 por los argentinos El Último Dinosaurio, una canción que aborda el amor y el sentimiento de extrañar a un ser querido.
"Extrañar a alguien a veces tiene un sabor amargo, pero al mismo tiempo es bonito, como el café sin azúcar que es muy amargo, pero me gusta tomarlo de esta forma como a la persona que extrañaba", agrega la Boika.
El Último Dinosaurio es un proyecto musical de indie rock formado en Buenos Aires por Boika (voz y guitarra), Michael (bajo) y Sebastián (baterista). La propuesta nace cuando Gerardo Zelada (Boika) se fue de su país natal, Bolivia, para mudarse a Argentina.
La propuesta de El Último Dinosaurio se basa en la exploración emocional mediante la música. EUD es el alma de las canciones, es un ente que le da vida al arte de sus integrantes.
"A través de nuestras canciones nos permitimos sentir, conocernos mediante las emociones, aprender a disfrutar los momentos de la vida, caerse y levantarse, estar bien y estar mal, aceptarnos como humanos tal y como somos", cuenta el grupo con influencias de rock progresivo, surf rock, indie pop, synthwave y rock psicodélico en bandas como Pink Floyd y Tame Impala.
'Café sin azúcar' explora sonidos rock pop y electro pop. El grupo experimenta con instrumentos digitales que suenan a electro pop, pero manteniendo sonoridades rock en las guitarras.
El video de la canción muestra cómo se puede dar vida a un recuerdo, incluso sentir la presencia de esa persona. En la habitación tocando guitarra el ambiente se torna cálido y nostálgico para recordar con amor a esa persona que fue tan especial. El clip fue dirigido por Manuel Ríos Bridoux.
"Es una canción perfecta para escuchar en un parque recordando a un ex amor y disfrutando del amargo sabor de un café sin azúcar", enfatiza EUD.
'Café sin azúcar' forma parte del primer álbum de El Último Dinosaurio titulado 'No puedo ser normal' que consta de 11 canciones, las cuales abordan temas profundamente personales, la búsqueda del ser y la angustia existencial. El disco fue producido por Boika y masterizado por José Rico Suárez.
"Rojo Carmesí', un sencillo del colombiano John Arango, lanzado el 23 de octubre del 2024, que combina rock y poesía, brindando una experiencia sonora profundamente emotiva que aborda el VIH de manera significativa.
John Arango es un artista colombiano fascinado por la poesía, la música y el arte audiovisual. Desde muy joven, se sintió atraído por las secciones habladas y recitadas en la música de Willie Colón lo que lo llevó a narrar sus historias a través de poemas acompañados por pistas musicales que complementaban su voz. Su innovador formato captó la atención del público y lo impulsó a seguir explorando y desarrollando su estilo único.
John Arango, en colaboración con Volta Estudio y el productor Lelo Arango, ha logrado transformar la poesía en música. Con su nuevo álbum, la intención es seguir compartiendo sus realidades, visiones y pensamientos de la vida y del mundo. En sus canciones, el artista aborda temas que le duele, alegra e inquieta, generando por emociones que provienen de su corazón.
'Rojo Carmesí' es un sencillo de John Arango, una canción que aborda el tema de las parejas serodiscordantes, es decir, aquellas en las que una persona cuenta con diagnóstico VIH positivo y el otro es VIH negativo. El tema explora la dualidad del amor, el sexo y el VIH. La canción suena sexy, oscura y, al mismo tiempo, esperanzadora.
La letra de 'Rojo Carmesí' ofrece una narrativa personal y cruda desde la perspectiva de la persona VIH negativa al inicio de una relación. La frase del coro, "somos lo que tu sangre busca combatir...", refleja la necesidad de comprensión y empatía en una relación serodiscordante. Aunque uno de los dos deberá tomar medicamentos, el acto de hacerlo es un gesto de amor compartido.
"La canción aborda una realidad muy cercana, incluso aunque no viva con VIH personalmente. He convivido con este entorno durante mi vida, desde la muerte de mi padre a causa del SIDA, hasta haber tenido parejas serodiscordante y acompañar a muchos amigos en sus procesos. 'Rojo Carmesí' es una reflexión íntima sobre el amor y el apoyo en contextos de salud complejos", cuenta.
El tema explora sonoridades rock de principio a fin. La guitarra juega un papel central, aportando un sonido oscuro y seductor. Cuando se combina con la voz de John Arango narradora, crea una atmósfera especial. La música, orgánica y cuidadosamente compuesta, fue interpretada por Lelo Arango y los coros estuvierona cargo de los artistas de Medellín Sergio Mejía 'Alem' y Cristian López.
El video se rodó en Medellín y presenta un tratamiento audiovisual inspirado en el manga/anime AKIRA de Katsuhiro Otomo. La dirección de fotografía y el color grading evocan la estética de una cinta de 16 milímetros, con una paleta de colores carmesí que intensifica la narrativa simbólica sobre el VIH. Los protagonistas son una pareja que enfrenta el diagnóstico del VIH, mostrando abiertamente su temor y ansiedad. Están rodeados por personajes teatrales que simbolizan demonios y el propio virus, reflejando el miedo asociado a la infección. En contraste, un grupo de jóvenes vestidos de rojo con la palabra 'antirretroviral' como estandarte, representa la medicina y el tratamiento del virus, destacando su papel como una esperanza y un recurso vital.
Para John Arango "el clip utiliza una metáfora fantástica y teatral, inspirada en cómo las enfermedades eran percibidas en la Edad Media. En esa época, la superstición solía relacionar las enfermedades con castigos divinos o con lo diabólico y maligno. Esta representación dramática ilustra el enfrentamiento entre el sistema inmunológico y el virus, encarnados en dos bandos opuestos con visiones y características diferentes. El video, cargado de simbolismo, demuestra que enfrentar el VIH no solo requiere medicinas, sino también "empatía y amor". Estos elementos son tan cruciales como el tratamiento médico para combatir el virus. Además, tanto la canción como el video buscan que las personas, tengan o no el diagnóstico, puedan verse reflejadas en la narrativa presentada. Mi objetivo es visibilizar el VIH y normalizar la conversación sobre el virus, promoviendo el respeto y superando el desconocimiento que a menudo lo rodea".
'Rojo Carmesí' es el primer sencillo del tercer disco de estudio de John Arango. El disco incluirá 10 nuevos tracks y el sonido será orgánico, combinando matices de rock en sus inicios con un enfoque más acústico hacia el final. Cada canción está estructurada con versos recitados que interactúan con el ritmo, y coros melódicos que integran las voces en una experiencia sonora cohesiva. El álbum explora el amor en diferentes formas, capturando la dicotomía entre lo empalagoso y lo crudo que se experimenta desde el exterior hacia el interior del cuerpo humano.
"'Rojo Carmesí' es ideal para las mañanas, cuando solemos tener más dudas sobre cómo enfrentar el día. Es un buen momento para reflexionar sobre nuestras luchas y recordar que la empatía y el amor pueden traer consigo aún más empatía y amor. En términos de momentos en la vida, la canción es particularmente significativa cuando escuchas a alguien hablar sobre el VIH desde una perspectiva negativa o desesperanzada. El VIH sigue siendo un tema que afecta a muchos, y otros todavía luchan por salir de la oscuridad. La canción ofrece un respiro, actuando como una píldora de "empatía" y una reflexión sobre el "amor" en tiempos de VIH", menciona John Arango.
Descubrir 'Rojo Carmesí' es importante porque ofrece una perspectiva nueva y poderosa sobre el VIH y el amor. En Colombia y Latinoamérica, donde el VIH a menudo está rodeado de estigmas y malentendidos, esta canción y su video sirven como una herramienta para abrir conversaciones y proporcionar alivio a quienes viven con el virus ya sus seres queridos.
"Actualmente, su enfoque es 'Rojo Carmesí'. Estoy explorando diversas maneras de asegurar que el mensaje del proyecto no solo se difunda a través de redes sociales y plataformas digitales, sino que también llegue a un público amplio. Mi objetivo es que más personas puedan acceder a recursos profesionales y organizaciones que ofrecen de forma gratuita apoyo psicológico, gestión de medicamentos antirretrovirales, o información sobre el VIH, como Fundación Rasa o Vida Sero.
John Arango planea lanzar varios sencillos antes de publicar el disco en su totalidad, incluyendo una colaboración con Gary Cardona de 'My Nipples' y 'Gary'. También tiene en mente producir videos que hagan justicia a las historias narradas en el álbum, ya que el tratamiento audiovisual será un aspecto destacado del proyecto. La fecha de lanzamiento está prevista para 2025.
"Mis expectativas son altas; es, sin duda, mi esfuerzo más ambicioso hasta la fecha. Como artista independiente, le tengo un cariño especial y estoy decidido a desafiar un sistema establecido, con la esperanza de que llegue a la mayor cantidad de personas posible. En un entorno cultural donde la música puede ser un catalizador para el cambio, este proyecto tiene el potencial de inspirar, educar y fomentar la empatía a nivel regional", concluye.
Sobre John Arango
John Arango es un destacado poeta y artista visual originario de Medellín, Colombia. Su versatilidad se extiende a los campos de la escritura de guiones, la dirección, la edición de video, el color grading y la actuación. Como pionero de las series web en Colombia, Arango ha dejado una marca indeleble en el panorama audiovisual del país. Su serie más emblemática, 'Yonkis' (2011), fue la primera serie de contenido LBGTI en Colombia, mientras que 'Mentes Alternas' (2014 - 2022) recibió una nominación a los Premios Twitter Colombia 2015 y se destacó como una de las producciones más populares de ese año. Hasta la fecha, ha dirigido cinco series web y ha trabajado en una extensa gama de videos musicales, comerciales y campañas a nivel nacional.
En el ámbito musical, Arango explora un estilo experimental que fusiona la poesía contemporánea narrada con pistas musicales de influencias de rock alternativo.Ha lanzado dos álbumes digitales, 'Un Día al Año' (2015) y 'Soñé' (2016), ambos acompañados de sencillos y videos promocionales. Sus letras han sido destacadas en la antología de poesía 'Indeleble Poesía Segmento II' (2014), y el video de su sencillo 'Soñé' recibió una nominación al Video del Año en los Premios Tecnotelevisión 2016.
La intención de su propuesta musical es disruptiva. Aunque comenzó de manera cruda y lineal, ha evolucionado. Con el nuevo álbum, el artista ha dejado atrás la linealidad para explorar una rica variedad de texturas en los instrumentos musicales y, por supuesto, en su voz. Busca transmitir la poesía a través de la música de una manera más estructurada, logrando un equilibrio entre sus narraciones poéticas y la música que la acompaña. En esta nueva etapa, ha incorporado coros interpretados por artistas talentosos que lo rodean. Ellos, expertos en el canto, y él, escribiendo, narrando y recitando; traen una propuesta con historias que despierten la imaginación, evocando idilios, odios, crudezas y una variedad de emociones pintorescas.
El cantante y compositor Mîke Narr, conocido como el “Cowboy Chileno”, presenta su nueva propuesta musical con el lanzamiento de su canción “De Carretera”, disponible en todas las plataformas digitales.
El sencillo viene acompañado de un video lanzado el 29 de noviembre del 2024, que captura la esencia del tema, llevando a los oyentes a un verdadero viaje musical. Con una mezcla de folk rock, country norteamericano y toques de pop, “De Carretera” refleja el sonido único de Mîke Narr.
En este single, el artista se inspira en figuras como: Creedence, John Denver, Mumford & Sons, Tom Petty, Bob Dylan y Ryan Bingham, fusionando su amor por el country con una visión fresca y contemporánea.
Una nueva mirada al Country
Para Mîke Narr, este lanzamiento marca una evolución sonora en su carrera. “Quise crear un nuevo sonido que acerque el country a la audiencia nacional, fusionando elementos del género tradicional con la esencia latinoamericana. Así nació este concepto de “Country Latino”, una propuesta que ofrece una nueva mirada al género, sin dejar la esencia Western norteamericana, pero al mismo tiempo poder ‘latinizarlo’ y que suene original”, comentó el artista.
En cuanto al tema, Mîke destaca que “De Carretera” es una canción alegre, bailable y con un toque de romanticismo, misticismo y nostalgia. Ideal para escuchar mientras se recorre la carretera en busca de nuevas experiencias. “Es un track que evoca la libertad y el misticismo de viajar por rutas abiertas, rodeadas de naturaleza, mientras te encuentras contigo mismo y tu instinto de aventurero”, agregó.
Un viaje sonoro de nuevos horizontes
Este lanzamiento marca el inicio de una nueva etapa para el "Cowboy Chileno", quien busca consolidarse como el impulsor del “Country Made in Chile” o “Country Latino”, un concepto que fusiona el Folk Rock en español con la energía y la autenticidad del Country. El sencillo refleja su visión de un sonido fresco, original y contemporáneo, que se note la influencia “Cowboy” o Folk de EE.UU, pero sin sonar “agringado”, es decir, lograr tomar el estilo y “chilenizarlo”. Quiere ser capaz de conectar con audiencias de todo el mundo.
“De Carretera” es una canción sobre la aventura, el coraje del espíritu cowboy y el deseo de emprender nuevos caminos. Habla de la emoción de salir de lo conocido, de tomar la carretera con valentía y explorar nuevos horizontes.
Un Cowboy de alma
Su pasión por este estilo va más allá de la música, Mike lo lleva como una forma de vida, con sus infaltables botas de cuero, una conexión constante con la naturaleza, los animales y las aventuras, ha marcado su rumbo el que incluso lo tuvo viviendo 1 año en Australia haciendo “busking” en las calles de Byron Bay y Melbourne. Utilizo el concepto del “cowboy” como un símbolo de este personaje que está muy conectado con la naturaleza, pero siempre con los pies bien puestos en la tierra y sin miedo a tomar las riendas para lanzarse a buscar su propio destino.
Es un personaje que transmite mucha valentía, coraje y valores de la vida de campo. Sería como una mezcla entre un “outlaw” con un forastero y un vaquero. Actualmente se encuentra armando su propia “Campervan” para vivir a lo “cowboy”, además de presentarse todas las semanas en diversos espacios de la 5ta región mostrando su Country Latino siempre acompañado de clásicos Country Rock, Folk y Blues; pasando por Creedence, Johnny Cash, John Denver…hasta The Beatles, Elvis Presley, Dire Straits y Neil Young.
La canción fue grabada y mezclada por Ricardo Bustos en Los Almendros Records, en Viña del Mar, y fue masterizada por Criss Müller.
La banda brasileña DESISTO lanzó el 23 de abril del 2024 la canción "Vai Maria, Vai Sambar (Vamos María, Vamos Sambar)"
Las mujeres brasileñas , que luchan, pero también disfrutan de la vida de forma independiente.
En la primera parte de este sencillo, el narrador habla con "samba", como si le pidiera permiso para cantarlo, ya que es una banda de rock "libre", claro.
En la segunda parte se hace una reflexión sobre la magnitud de ser una "María", y finalmente la invitación a disfrutar de la vida con la frase titular, Vai Maria, vai samba.
Y por supuesto es samba, es rock, es electrónica e incluso un poco progresiva.
Y hay participación en el clip y en la portada de Babi Monarca, una amiga, que entendemos es la cara de Marias do Brasil, y en la portada del single la ponemos al revés, al fin y al cabo, siendo Maria do ¡Desisto no es para todos!
Acerca de Desisto
La banda existe desde 2016, pero su formación actual es: DG – Guitarra, Padovani's Death – Bajo, Urso Restivo Jr – Voz y líneas electrónicas.
Con el objetivo de presentar una estética visual y musical mezclando ritmos, dance, electrónica y también rock.
Desisto es una banda que trae en su nombre el incumplimiento de relaciones estandarizadas, incluidas las musicales. Y se ha centrado en diálogos de este tipo, con relaciones personales (turbulentas o muy calientes), con temáticas muy amplias, incluso LGBTQI+...
La idea es comunicar musicalmente sin límites ni máscaras.
Desisto es DG (guitarra), Padovani’s (bajo) y Urso Restivo Jr (voz).
